El Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa produce la exposición Bailar de Arquitectura, una muestra comisariada por F. Javier Panera, que se podrá visitar gratuitamente en su Sala de Exposiciones desde 28 de marzo al 12 de mayo. La exposición nos muestra obras contemporáneas que, de alguna manera, toman como punto de partida la música. La búsqueda de la conexión entre las artes plásticas, las artes escénicas, la música y la creación contemporánea. De esta forma, se sigue la línea de trabajo que se presentó por la dirección artística y que se ha visto reflejada en las distintas exposiciones que se han realizado en el centro.

Los artistas, a través de sus propuestas, nos muestran cómo la música juega con temas de actualidad, se mezclan. Así, nos lo demuestran artistas como Luis San Sebastián, quien utiliza la historia del rock y la historia del arte conceptual como caja de herramientas para elaborar una lectura crítica del presente. Su trabajo toma como referencia imágenes poderosamente icónicas en las que se mezclan estereotipos del rock con imágenes de claro contenido político a lo que se suman títulos y estrofas de canciones que se presentan como si fueran enunciados del arte conceptual.

Las obras de Félix Curto, realizadas en todo tipo de soportes, parecen sacadas de la estrofa de alguna canción de Neil Young, los Byrds o ls Flying Burrito Brothers. Además, otras instalaciones, como la de Largen & Bread, This is not a love song, una serie de videos y piezas sonoras extraídas de la canción de John Lydon, vocalista de los Sex Pistols, y que es una reflexión sobre los paralelismos entre los impulsos autodestructivos de algunas estrellas del rock y la tendencia a la agresión y la destrucción de instrumentos de muchos músicos de vanguardia.

Por su parte, Irma Marco ha traspasado las barreras de la pintura convencional mediante los nuevos soportes. Esta artista utiliza crea e interpreta utilizando como soportes cintas de cassette, diskettes, y no sólo los usa como medio de soporte, sino que realiza instalaciones con estos objetos de producto musical. La música es uno de los componentes más significativos en la parte conceptual de su obra. Un último ejemplo de la unión entre la música, las artes escénicas o las artes plásticas es la obra de Carlos Aires, su obra How Deep is your love, un monumental corazón hecho a base de cuchillos de Albacete, en cuyas hojas están grabados los títulos de diferentes canciones de amor y desamor que configuran una nostálgica memoria sentimental del pop. El título en español de esta instalación ¿Cómo es de profundo tu amor?  Se convierte en una inquietante alegoría del amor visceral, donde las entrañas y los sentimientos se encuentran, cargando de violencia el acto de amar y donde la muerte asoma su cabeza con todas las connotaciones hacia la violencia de género que ello implica.

Los artistas que exponen en Bailar de Arquitectura son españoles o afincados en nuestro país desde hace muchos años. La muestra nos sirve para tomar la temperatura a una generación de artistas contemporáneos cuya edad oscila entre los 28 y los 50 años y que han trabajado en las últimas dos décadas sobre temas que relacionan la música, la danza, la escritura y las artes visuales. Bailar de Arquitectura, ¿soy un músico en el cuerpo de un artista o un artista en el cuerpo de un músico? Javier Panera comienza así su texto sobre esta muestra:

“El título de esta exposición está inspirado en una frase pronunciada por Frank Zappa en una fecha inconcreta de los años 70, tras recibir una crítica negativa por uno de sus discos. Contrariado por aquellos juicios de valor que consideraba injustos, Zappa respondió a un entrevistador que pensaba que “escribir sobre música era como bailar de arquitectura”.

Tan ácida sentencia era una manera de decir que ningún texto era capaz de capturar la energía y emoción que generaba la experiencia de componer, interpretar o simplemente escuchar música. Es conocida al respecto la anécdota según la cual a la petición de que explicara el significado de una pieza que acababa de interpretar, el compositor Robert Schumann respondió… tocándola de nuevo.

El contrapunto a las ácidas palabras del inefable músico norteamericano lo encontramos en la artista conceptual japonesa Yoko Ono, que en 1964 realizó una publicación que llevaba por título Grapefruit (Pomelo).

A primera vista, Pomelo parecía un pequeño libro de poesía, pero al leerlo más detenidamente descubríamos que se trataba en realidad de una obra musical -un cuaderno de “partituras”- que reunía composiciones que ya no se articulaban a través de la notación musical sobre un pentagrama, sino mediante sucintas instrucciones lingüísticas y sugerentes micronarraciones mediante las cuales los potenciales intérpretes -no necesariamente músicos profesionales- tenían que ser capaces de “reconstruir” mentalmente -en función de su experiencia vital y su capacidad de proyección poética- cosas tan difíciles de materializar como: “el sonido de un bosque en invierno a las 7 de la mañana”.

Frank Zappa y Yoko Ono representan los dos polos sobre los que basculan la mayor parte de las obras seleccionadas para esta exposición.

Los artistas que forman parte de este proyecto se mueven en territorios próximos al arte conceptual, la performance y la manipulación poética de los objetos. Sus obras están llenas de enunciados textuales e imágenes que nos interpelan, pero la música no siempre se materializa en términos acústicos, aunque en todos los casos es un ingrediente inseparable del proceso creativo. De hecho, algunos componen música y son capaces de interpretar instrumentos; otros diseñan coreografías concebidas para entornos arquitectónicos insólitos; y para muchos los sonidos, los títulos de las canciones, los imaginarios de la música popular o el simple “ruido de fondo” que se escucha mientras trabajan, son “herramientas” que les invitan a preguntarse:

¿Soy un músico en el cuerpo de un artista o un artista en el cuerpo de un músico?”

 

 F. Javier Panera, comisario      

Los artistas que muestran sus obras en esta exposición son: Carlos Aires, Felix Curto, Ana Cembrero, Dionisio González, Luis San Sebastián, Irma Marco, Largen & Bread, La Bien Querida / Juanma Carrillo, Laura Llaneli, Hugo Alonso, Alfonso Sicilia Sobrino, Luis Pérez Calvo, Josefina Zuain, Miguel Rodríguez, Renata Casanova, Eva Suárez.

 

Javier Panera, comisario

Profesor titular de Arte Contemporáneo y director del Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte de la Universidad de Salamanca.

- Premio Villar Macías (CSIC) 1995

- Premio Extraordinario de Doctorado (1997)

- Director del Servicio de Actividades Culturales de la USAL 2001-2003

- Director del DA2. Centro de Arte Contemporáneo de Salamanca (2004 - 2012)

-Director del Festival Internacional de fotografía y vídeo de Castilla y León Explorafoto (2006 -2011)

 

Ha comisariado más de un centenar de exposiciones individuales de artistas contemporáneos nacionales e internacionales como Albert Oehlen, Judith Barry, Tony Oursler, Franz Ackerman, Fernando Sinaga, Concha Jerez, Christian Marclay,  Kendell Geers,  Jane and Louise Wilson, Roland Fischer,  Bill Henson, Felix Curto, José Ramón Amondarain, Tania Bruguera, Los Carpinteros, Fabián Marcaccio, etc.

 

Así como varias exposiciones colectivas entre las que destacan: 

Barrocos y Neobarrocos. El Infierno de lo bello (DA2, 2005) Mascarada (DA2, 2006,)

Rock My Religion. (Festival Explorafoto, 2008). 

Merrie Melodies -y otras trece maneras de entender el dibujo- (2010). Video Killed the Radio Star. Una historia del videolip musical (Festival de Cine de Astorga, 2010), 

This Is Not a Love Song. Cruce de caminos entre creación y música pop (La Virreina Barcelona, 2013, Pera Museum Estambul, 2015).

Días de Vinilo. Una historia del diseño gráfico musical 1956 -2014. (Museo Patio Herreriano, Valladolid, 2015, MAS Santander, 2016),

El inconsciente pictórico MNAC, Barcelona 2015)

Pop Tops. Aproximaciones al arte pop en España a través del diseño gráfico musical. 1956 -1979. (Museo Thyssen, Málaga, 2016).

La música de Andy Warhol. MUSAC. León, 2017

Vinilygrafica. Maestros del diseño gráfico musical. (Madrid Design Festival (Fernán Gómez.Centro Cultural de la Villa) Madrid, 2018

 

Colaborador habitual de revistas especializadas como Flash Art International, Art Pulse, art.es, etc. Autor de más de un centenar de publicaciones especializadas en arte contemporáneo y editor de más de 60 monografías de artistas nacionales e internacionales. Entre sus libros destacan: Emociones Formales. Reflexiones sobre el inconsciente pictórico en la fotografía y la imagen en movimiento (Junta de Castilla y León / Festival Explorafoto, 2004), Video Killed the Painting Star. Pintura e imagen en movimiento (CITA / Festival de cine de Medina del Campo, 2008), Música para tus ojos. Artes visuales y estética del videoclip. Una historia de Intercambios (Festival de Cine de Astorga, 2009) This Is Not a Love Song. Cruce de caminos entre video creación y música pop (Lunwerg, 2013) El poder de la imagen / La imagen del poder. (Universidad de Salamanca, 2013), Teatro de operaciones (Screen Projects, Barcelona, 2013) Bailar de arquitectura. Interferencias entre arte

y Rock and Roll. Vol 1: 1956 -1976. (Ed. Museo Patio Herreriano, Valladolid, 2014). La música de Andy Warhol. (Ed. MUSAC. León, 2016).  Exploding Plástic Inevitable. Andy Warhol y The Velvet Underground (Medina Film Festival, 2017).

SALA DE EXPOSICIONES

BAILAR DE ARQUITECTURA

¿Soy un músico en el cuerpo de un artista o un artista en el cuerpo de un músico?

Del 28 de marzo al 12 de mayo de 2019

 

Entrada gratuita

De martes a domingos de 10 a 21 h. Lunes cerrado