Esta mañana se ha presentado la programación prevista para los primeros cuatro meses de 2019. El teatro y la danza son los ejes centrales de la programación de estos primeros meses del próximo año, durante los cuales también tomarán más fuerza las actividades paralelas y el Plan Educativo que comienza a primeros de enero con el Plan de Innovación y los talleres dirigidos a la tercera edad.

En enero la Sala Guirau presenta el ciclo Miradas al Siglo de Oro, que incluye dos montajes que se estrenan durante los dos primeros meses de 2019, se trata de Mestiza y Todas hieren y una mata, obras que mostrarán el tono y el estilo del sello Ay Teatro. Esta compañía es un nuevo proyecto teatral que acaba de nacer de la mano del director de escena y música Yayo Cáceres, el poeta y dramaturgo Álvaro Tato y la productora y distribuidora Emilia Yagüe,  los tres han decidido dar forma a su inquietud creativa a través de una nueva apuesta por las artes escénicas. Gloria Muñoz encabeza el elenco artístico de Mestiza, y estará acompañada por Julián Ortega, el músico Manuel Lavandera y la cantante Silvina Tabbush. Todas hieren y una mata es un texto original de Álvaro Tato, que cuenta en el elenco con Sol López, Carlos Lorenzo, Diego Morales, Alba Banegas y Antonio Hernández.

La Sala Jardiel Poncela estrena año con Un cuerpo en algún lugar, dirigida y escrita por Gon Ramos, donde nos muestra una búsqueda del amor, de un único amor, una búsqueda sin descanso a lo largo de los años y las ciudades y los incendios y los trenes. En la parte expositiva, el Fernán Gómez será la sede central de la muestra Madrid Design que incluye tres propuestas diferentes: Darro. Diseño y arte (1959-1979), Cuidado Diseño  y  Super-Packaging. Esta exposición se podrá visitar de enero a marzo. Gilgamesh es el montaje que estará durante el mes de febrero en la sala pequeña del teatro, basada en el Poema de Gilgamesh, es la obra literaria sumeria más antigua conocida. Alex Rojo firma la dramaturgia y la dirección. Lacura es el montaje que se podrá ver en el escenario de la Jardiel Poncela durante el mes de marzo, en ella Bibiana Monje investiga los límites entre lo íntimo y lo privado, haciendo del trauma una trama y exponiendo, con agudo sentido del humor, las heridas ocasionadas por algunas creencias personales y sociales. Bailar en la oscuridad se estrenará en la Sala Guirau en el mes de marzo, la adaptación al teatro de la película (Dancer in the dark) que se llevó el Premio Goya a la Mejor Película Europea en 2001, se estrena sobre las tablas con la dirección de Fernando Soto y con Marta Aledo, Luz Valdenebro, Irene Arcos, José Luis Torrijo, Fran Calvo y Álvaro de Juana en el reparto. Terminamos este primer avance con Danza, la Sala Guirau nos mostrará el trabajo de Kukai Dantza: Erritu, donde Jon Maya y Sharon Fridman, encargados de la dirección artística, funden dos modos diferentes de entender la danza. La compañía ha sido Premio Nacional de Danza 2017.

En marzo Nu-Cabare regresa al teatro con nuevos espectáculos que se podrán ver durante cuatro únicos días. Un festival único que sirve como plataforma para difundir, promover y fomentar espectáculos transgresores y al mismo tiempo cercanos, en donde el humor, la música y el discurso en la puesta en escena es donde el sello personal es indiscutible.

La Sala Jardiel Poncela nos ofrecerá poesía de dos formas diferentes todos los martes distribuidos a lo largo de la temporada: Los martes, milagro poesía en escena, un clásico ya de nuestra programación que durante estos años ha sido acogido con un gran éxito de público. Con estos montajes, Artefactor tratan de acercar la poesía a todo el mundo, revistiendo con dramaturgia determinados textos líricos. Obras literarias que se convierten en montajes escénicos, donde la palabra y la música y los soportes audiovisuales conforman espectáculos cuya puesta en escena permite dar a conocer el trabajo de los grandes nombres de la literatura poética. Nos presentarán los montajes: Lorca, un teatro bajo la arena y También la verdad se inventa de Machado. No son recitales al uso, son montajes teatrales en los que el verso se convierte en protagonista. Y el ciclo de poética contemporánea, comisariado por el equipo del festival Poetas, donde se pondrá el acento en todo aquello relacionado con la creación poética contemporánea con la intención de descubrir y de redescubrir tendencias y autores, buscar lo poético en el trabajo de distintos artistas, que no sean necesariamente poetas, pero, que por alguna razón, su obra les tilde de ellos, aunque sea a su pesar.

Las Actividades Paralelas continúan creciendo en importancia ya que, además de los encuentros con el público todos los jueves en las salas Guirau y Jardiel Poncela, donde el público asistente podrá debatir con los actores y las compañías temas relacionados con el teatro y la obra que acaban de ver, las distintas compañías programadas en las salas realizarán talleres, master class y en algunos casos se harán presentaciones de los textos de las obras que se van a representar.

Durante este primer cuatrimestre se llevará a cabo el Plan Educativo que está compuesto de cuatro partes que se irán implantando en las distintas salas del teatro. Este programa se enmarca dentro de la apuesta por las actividades educativas como parte de los objetivos generales del Centro, actividades inspiradas por las orientaciones en buenas prácticas para la inclusión y la participación social en la cultura de la European Agenda for Culture de la Comisión Europea.

El Plan Educativo está compuesto de:
Actividades Extraescolares para niños y adolescentes
Plan de Innovación
Programas dirigidos a colectivos sociales
Jornadas Pedagógicas

Junto a Nacho Marín han estado en la presentación: Gloria Muñoz (Mestiza, actriz), Álvaro Tato (Todas hieren y una mata, autor), Marta Aledo (Bailar en la oscuridad, actriz), Sharon Fridman (director artístico – Kukai Dantza), Gon Ramos (Un cuerpo en algún lugar, autor y director), Perú Saizprez (Poética Contemporánea), Carlos Jiménez (dramaturgo y dirección Martes milagro poesía en escena), Alex Rojo (Gilgamesh, director y autor), Bibiana Monje (Lacura, dramaturgia y dirección), Rosa Merás (Territorio Violeta, Lacura), Roma Calderón (NU-CA), Madrid Design (Álvaro Matías, director artístico), Sandra Stuyck (Factoría cultural, Plan de innovación), Elena López e Irene Zugasti (plan dirigidos a colectivos sociales).

Más información en: https://www.teatrofernangomez.es/zona-de-prensa

 

Programación enero – abril 2019

                                      Sala Guirau                                    

► MESTIZA

Miradas al Siglo de Oro

Del 10 de enero al 3 de febrero Texto: Julieta Soria

Dirección: Yayo Cáceres

Con Gloria Muñoz y Julián Ortega Cantante: Silvina  Tabbush Músico: Manuel Lavandera

Una producción de Ay Teatro

Mestiza está escrito por la dramaturga Julieta Soria y parte de un encuentro entre un joven Tirso de Molina y Francisca Pizarro Yupanqui, primera mestiza del Perú e hija del  conquistador Francisco Pizarro.  Con  el pretexto de la escritura de una futura Trilogía de los Pizarro, Tirso trata de convencer a Doña Francisca, que lleva un año recluida en su extraño jardín, de que dé rienda suelta a sus recuerdos y experiencias. El diálogo entre ambos supone la confrontación de dos visiones muy diferentes del mundo (hombre y mujer, joven y anciana, español y mestiza)  y,  sobre todo, es el origen de algo inesperado para Doña Francisca: un viaje personall y   crítico  por   la   historia   española  de  aquellos  años, que desemboca en un reencuentro con su pasado, con su marido, Hernando Pizarro, con su padre, y con su madre y hermanos indígenas y en la necesidad de mirarlos cara a cara. El elenco está encabezado por una dama de la escena española como es Gloria Muñoz, acompañada de uno de los jóvenes talentos de la escena, Julián Ortega. El cuadro lo  completan el músico Manuel Lavandera y la cantante Silvina Tabbush.

Ay Teatro es un nuevo proyecto teatral compuesto por el director de escena y música Yayo Cáceres, el poeta y dramaturgo Álvaro Tato y la productora y distribuidora Emilia Yagüe. La carta de presentación de Ay Teatro es el ciclo Miradas al siglo de Oro con los dos montajes que se estrenan en el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa:  Mestiza  y  Todas hieren y una mata. La nueva compañía se centrará en dos vertientes: la producción de nuevas obras y la formación. En la primera faceta, los montajes vendrán marcados por la dirección de Yayo Cáceres con dramaturgia de Álvaro Tato y de otros jóvenes dramaturgos invitados. Las obras se caracterizarán por reunir  un equipo artístico de gran calidad  y elencos abiertos que aúnen grandes figuras de la interpretación con nuevos descubrimientos, experiencia con riesgo, veteranía con nombres emergentes. Y la segunda, el plano formativo, se pondrá a disposición de profesionales del sector una oferta permanente a través de cursos,  talleres, conferencias y encuentros.

► TODAS HIEREN Y UNA MATA

Miradas al Siglo de Oro Del 7 al 24 de febrero Autor: Álvaro Tato

Dirección y traducción: Yayo Cáceres

Con Alba Banegas, Antonio Hernández, Sol López, Carlos Lorenzo y Diego Morales.

Una producción de Ay Teatro

Todas hieren y una mata es un texto original de Álvaro Tato y es la primera comedia en verso del siglo XXI. Escrita por el dramaturgo según las estrofas y métricas características de la comedia nueva de Lope de Vega, la obra viaja entre los siglos XXI y XVII para hablarnos del paso del tiempo, los recovecos del amor y el deseo y  el precio de  la conquista de la libertad de la mujer. El elenco refleja la cantera actoral que identificará   a Ay Teatro, la mezcla de la experiencia y la veteranía de Sol López,  Carlos Lorenzo y Diego Morales, con el talento emergente de Alba Banegas y Antonio Hernández. Su estreno absoluto será en  la Sala  Guirau del Teatro.

Ay Teatro es un nuevo proyecto teatral compuesto por el director de escena y música Yayo Cáceres, el poeta y dramaturgo Álvaro Tato y la productora y distribuidora Emilia Yagüe. La carta de presentación de Ay Teatro es el ciclo Miradas al siglo de Oro con los dos montajes que se estrenan en el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa:  Mestiza  y Todas hieren y una mata. La nueva compañía se centrará en dos vertientes: la producción de nuevas obras y la formación. En la primera faceta, los montajes vendrán marcados por la dirección de Yayo Cáceres con dramaturgia de Álvaro Tato y de otros jóvenes dramaturgos invitados. Las obras se caracterizarán por reunir un equipo artístico de gran calidad  y elencos abiertos que aúnen grandes figuras de la interpretación con nuevos descubrimientos, experiencia con riesgo, veteranía con nombres emergentes. Y la segunda, el plano formativo, se pondrá a disposición de profesionales del sector una oferta permanente a través de cursos,  talleres, conferencias y encuentros.

► BAILAR EN LA OSCURIDAD

Del 28 de febrero al 31 de marzo Dirección: Fernando Soto

Con Marta Aledo, Luz Valdenebro, Irene Arcos, José  Luis  Torrijo, Fran Calvo, Alvaro de Juana.

Una producción de Seda Teatro

“El hecho de querer llevar a escena Dancer in the dark no nace de pretender hacer una versión teatral de una película que está considerada como un referente en la               cinematografía contemporánea.  Sería pretencioso por nuestra parte, y una aventura absurda,  querer mejorar en el escenario algo que como película posee una identidad tan poderosa  y  es de una belleza y dureza sobresaliente. Donde  podemos  aportar nuestro granito de arena es en llevar a escena los contenidos de los que trata Dancer in the dark. Unos contenidos poderosamente humanos y actuales: la abolición de la pena de muerte, la sociedad capitalista y la consiguiente obsesión por lo material, el concepto de inmigración, la disolución de fronteras y por encima de todos, como director, algo que me interesa poner frente al espectador: la fraternidad, el perdón, el amor y la bondad sin condiciones. La intención en la puesta en escena es centrarse en esos dos mundos por los que transita nuestra protagonista. Un mundo que es la vida, la que toca vivir, la  que sigue su curso y  parece que la  cara que muestra es de fatalidad, de sino trágico. Y, por otra parte, está    la huida a otro mundo, a un mundo donde los sonidos de la vida se transforman en música, donde podemos ser protagonistas de nuestro propio musical y que parece ser nuestra única salida espiritual. La lucha entre estos dos mundos, el soñar utópicamente en que algo más bello es posible, el intentar que asome la poesía entre tanto dolor,  buscar  la belleza en la tragedia y viceversa es el camino a seguir en esta versión teatral de un material tan complejo como hermoso. Al igual que nuestra protagonista Selma, aunque sepamos que este mundo que está  en marcha es difícil cambiarlo y que cuando despertemos del sueño es muy probable que todo siga su curso, tenemos la necesidad y me atrevo  a  decir la obligación como seres humanos de crear otros mundos en el escenario, otros mundos donde el teatro, la danza, donde las canciones y la música nos permitan decir en voz muy alta aquello que la sociedad de usar y tirar que hemos creado nos prohíbe. Aunque nos duela, aunque suframos… Bailemos en la oscuridad.”

Fernando Soto (director)

► ERRITU

Del 4 al 7 de abril

Dirección artística: Jon Maya & Sharon Fridman

De Kukai Dantza

Con Urko Mitxelena, Nerea Vesga, Eneko Gil, Izar  Aizpuru,  Alain Maya, Ibon Huarte

Una producción de Seda Teatro

Erritu supone el encuentro entre Kukai Dantza y el prestigioso coreógrafo Sharon Fridman. El montaje es un viaje vital que atraviesa mediante ritos de paso individuales y colectivos los distintos estados de la vida en  relación con la naturaleza y con la comunidad. Estados que van desde el nacimiento al caos, pasando por el desierto de la soledad, hasta llegar al encuentro, el amor y, finalmente, la muerte. En Erritu se funden  dos  modos de entender la danza. La diferencia entre los dos lenguajes está la riqueza y el atractivo. El trabajo de Sharon Fridman ofrece a los y las bailarinas de Kukai una nueva fisicalidad y calidad de movimiento basada en el contact, que contrasta y complemente ricamente con la pureza y vitalidad de sus movimientos habituales.

Kukai Dantza, Premio Nacional de Danza 2017, nace el año 2001 a iniciativa del bailarín y coreógrafo Jon Maya. Kukai desarrolla su trabajo a partir de la danza tradicional vasca; proponiendo encuentros con otros estilos de danza y formas de entender el arte. De esta forma, crea espectáculos contemporáneos a partir de la danza tradicional vasca, realizando creaciones propias y colaboraciones  con prestigiosos coreógrafos. Entre sus trabajos, son muy reconocidos los espectáculos creados junto a Tanttaka Teatroa y las colaboraciones realizadas con diversos coreógrafos como Cesc Gelabert, Israel Galvan, Jone  San  Martín (The Forsythe Ballet), La Intrusa Danza, Marcos Morau / La Veronal… La compañía ha obtenido numerosos  premios  en su trayectoria. Destacan los Premios MAX de la Artes Escénicas como Mejor Espectáculo (2017), Mejor Elenco  de Danza (2015,2017)  Mejor Composición Musical  (2015),  Mejor vestuario (2017).  Y numerosos premios y menciones especiales en prestigiosos festivales como Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca, TAC Valladolid,  Umore Azoka, Premios Donostia de Teatro…

                              Sala Jardiel Poncela                            

► POÉTICA CONTEMPORÁNEA

8 de enero

Los Peligros + Quico Cadaval

19 de febrero Overtura + Janksy 26 de marzo

Laura Sam & Rrucculla + Violeta Gil & Abraham Boba

El ciclo de poética contemporánea, que comenzó su andadura el pasado mes de noviembre, nos presenta tres nuevas propuestas durante los  meses de enero, febrero y marzo.  Para poder hacer  este ciclo, comisariado por el equipo del festival POETAS, se ha hecho  una búsqueda de propuestas poéticas  que se mostrarán  en sesiones mensuales en la Sala Jardiel Poncela. Un día al mes se pondrá el acento en todo aquello relacionado con  la  creación poética  contemporánea con la intención de descubrir  tendencias  y autores  y de redescubrir tendencias y autores. Esta exploración interdisciplinar, transversal, y de doble salto mortal, buscará lo poético en el trabajo de distintos artistas, que no sean necesariamente poetas, pero que por alguna razón, su obra les tilde de ello, aunque sea a su pesar.

Martes, 8 de enero

Los Peligro – Freelance Show

Quico Cadaval – vacas, guerras, curas y cerdos

Martes, 19 de febrero

Overture

Jansky – This is electroverse

Martes, 26 de marzo

Violeta Gil – Disparan a los caballos

Laura Sam & Rruculla - Incendiaria

► UN CUERPO EN ALGÚN LUGAR

Del 11 de enero al 3 de febrero Autor y dirección: Gon Ramos Con Fran Cantos y Luis Sorolla Producción de In Gravity

Después del éxito de Yogur Piano, obra ganadora del Premio Godoff a la Mejor Dramaturgia, Gon Ramos se embarca en un  nuevo  proyecto artístico con su compañía In Gravity, con estreno en el Teatro Pavón Kamikaze. Un cuerpo en algún lugar es una búsqueda del amor, de un único amor, una búsqueda sin descanso a lo largo de los años y las ciudades y los incendios y los trenes. En estos tiempos en los que lo inmediato es lo puramente real, esta historia propone una ruptura de esas reglas y cuestiona los tiempos necesarios para encontrar lo  inevitable. Nos adentra en la mente y los encuentros de un “Él”,  que inicia un  viaje  en búsqueda de “esa persona”. No hablamos de Penélope, esperando largo tiempo, no hablamos de Ulises, regresando al hogar, hablamos de una búsqueda sólo hacia delante de ese único cuerpo que sentimos que posee la capacidad de salvarnos. ¿Cuántos momentos existen en la búsqueda del cuerpo que se creyó amar? ¿Qué momentos nos rescatan y cuáles nos hunden? ¿Llegará alguno de esos momentos a poner un punto  y final?

En palabras de Gon Ramos: “Como autor me supuso el reto de tener que escribir, considerando un tiempo escénico de algo más de una hora, todo un viaje vital. Este reto se tornó en puro placer  cuando  descubrí  que había un infinito de situaciones que poder elegir y que, como tal, no había error posible en la elección, sino mayor o menor interés. Con lo  que cuando uno escribe simplemente entregado al interés y la pulsión, sin miedo al error, las probabilidades de satisfacción son altísimas. Y en este caso, así ha sido. Como director, el reto ligado también al placer fue el volver a dirigir un texto ya cerrado previamente, ya que en mis procesos anteriores la investigación con actores y escritura habían estado muy solapadas. Esto ha hecho que el diálogo “escritorio-escena” haya hecho estallar las posibilidades, al escribir dando toda la libertad al lenguaje sin tener en mente cortapisas escénicos a priori, y después dirigir con toda la libertad sabiendo que no podía no ser fiel al texto, ya que había surgido  de mí mismo cuerpo.”

► MARTES, MILAGRO POESÍA EN ESCENA

Un clásico ya de nuestra programación que durante estos años ha sido acogido con un gran éxito de público. Con estos montajes, Arte-factor tratan de acercar la poesía a todo el mundo, revistiendo con dramaturgia determinados textos  líricos.  Obras literarias  que se convierten  en montajes escénicos, donde la palabra y la música y los soportes audiovisuales conforman espectáculos cuya puesta  en  escena  permite dar a conocer el trabajo de los grandes nombres de la literatura poética

5 de febrero

Lorca: un teatro bajo la arena

Dramaturgia y dirección: Indalecio Coruego Con Daniel Miguelañez y David Pereira Producción de Arte-factor y Enebro Teatro

Dos estudiantes de teatro preparan una escena de “El Público”, de Federico García Lorca para su presentación en una escuela. Uno se ha especializado en representaciones de autores del teatro  clásico español (la palabra), el otro procede del mundo de la danza y la acrobacia (el movimiento). Su objetivo consiste en reflejar el mundo  interior del  poeta en un trabajo que describa principalmente el sentido del término un teatro bajo la arena

19 de marzo

También la verdad se inventa (Antonio Machado) Dramaturgia y dirección: Carlos Jiménez

Con: Victoria Curto, Daniel Miguelañez y David Saraiva

Producción de Arte-factor

Un montaje teatral que se basa en los escritos filosóficos y  poéticos  de dos personajes  apócrifos creados  por Antonio Machado:  Juan de Mairena, un profesor de gimnasia que imparte clases de retórica a  un grupo de adolescentes, y Abel Martín, su maestro, filósofo y poeta que se convierte en todo un referente de la obra del propio Mairena .

► GILGAMESH

Del 8 de febrero al 3 de marzo Dramaturgia y dirección: Alex Rojo

Con Ángel Mauri, Alberto Novillo, Alfonso Luque, Macarena Robledo, Irene Álvarez

Producción de Aidos Teatro

Gilgamesh es la adaptación del relato sumerio considerado primera obra literaria en la historia de la humanidad. Un poliédrico poema que trata los anhelos más profundos del hombre, el sentido de la vida y la muerte, la naturaleza de la espiritualidad, nuestro origen y nuestro destino, en una alegoría que invita a asomarse al abismo del tiempo y la palabra para emprender un viaje a través de las figuras retoricas, los símbolos e imágenes arquetípicas que alberga nuestro subconsciente colectivo.

Aidos teatro, se constituyó en Madrid a principios de 2014, con  el objetivo de ofrecer un teatro de profundo autoanálisis mediante la búsqueda de nuevas dramaturgias que ofrezcan propuestas de temática compleja. Estrenando ese año Desde brotes Secos,  obra  de  marcado tinte social que trataba las consecuencias de la crisis económica y los problemas de la vivienda en España. En 2015 se  embarcan  en  el  proyecto El pabellón número 6, adaptación del cuento homónimo  de Antón Chejóv sobre la naturaleza de la enfermedad mental, es estrenado  al año siguiente en el Teatro Tribueñe, para luego estar en cartel en las salas El umbral de primavera, Nueve Norte, Festival de la Antigua Mina, Nave Daoiz y Velarde. En 2018 El pabellón nº6 se repuso en el teatro Victoria, y clausuró la II semana de teatro ruso de Madrid  2018 en Casa  de Vacas del Retiro. En 2017 la segunda obra de Alex Rojo, Dejar atrás, se estrena en la Nave teatro Daoiz y Velarde y posteriormente en Sala Tú de Madrid. En 2018 Estrena El candidato de David Barreiro texto ganador del premio Agustín González de teatro, que trata en clave de comedia negra la politización de los medios de comunicación y paralelamente trabaja dentro del marco del teatro antropológico Gilgamesh. En poco espacio de tiempo se han ubicado en el tratamiento de textos tanto  clásicos como contemporáneos sujetos  a una filosofía  de trabajo enfocada a la investigación. Apostando por la sostenibilidad como entidad independiente abordan la producción, distribución y  difusión íntegra de sus espectáculos.

► LACURA

Del 7 al 24 de marzo

Dramaturgia y dirección: Bibiana Monje

Co-director: Enrique Pardo (Pantheatre París)

Con Bibiana Monje

Producción de Territorio Violeta

Bibi, es un personaje  del enfermo sigloXXI, hilarantemente poseída por  los espíritus que la habitan, decide contarnos como loca su propia mirada al mundo. Familia, amantes, temores y paisajes psicológicos serán el hilo conductor de la historia, llevándonos hacia un viaje interior sin retorno a través del dolor y la risa, dándole la vuelta a la tortilla y descubriendo que no hay huevos.

Lacura es un solo teatral, una comedia de auto ficción que  dirige  la  mirada exterior hacia uno mismo, cuestionando las creencias personales  a través de la sátira y el humor.  Lacura utiliza lo personal como ejemplo  de conciencia colectiva, a través de un viaje autobiográfico por la  psique de la artista, “el cuento de su propia enfermedad al vivir en un mundo que no ha inventado ella”, evidenciando la responsabilidad del poder  que  todos tenemos: Crear realidades. La actriz investiga los límites entre lo íntimo y lo privado, haciendo del trauma una trama y exponiendo, con agudo sentido del humor, las heridas ocasionadas por algunas creencias personales/sociales.

Más de siete personajes encarnará la protagonista utilizando distintos estilos teatrales -pantomima, teatro coreográfico, proyecciones, parodia, realismo mágico, musical, stand up comedy- intentando desquebrajar en su argumento la idea social de soledad y separación.

► NU-CABARET

Del 28 al 31 de marzo

Dirección del festival: Roma Calderón

Me llamo Sebastián Señorita Siller Burlesque PecuAutora

Pompettes

“Desde hace  ya  algunos años estamos asistiendo al  resurgir del Cabaret, y en este contenedor nos encontramos espectáculos de diferentes formatos reconocibles: revista, variedades, stand up, burlesque, incluso circo…. Aunque con bastante  confusión  en cuanto a definición y contenido de género, el Cabaret tiene “foco”…, y se ha creado un público ávido por descubrir y participar de experiencias  que bailen  entre lo  lúdico y lo artístico/cultural. Nu-Cabaret no es Nuevo Cabaret, es cabaret  de autor, que sin renegar del pasado, propone una actualización, y se  proyecta hacia el futuro. Utilizando elementos clásicos del género como la música, el humor, lo multidisciplinar o la ausencia de 4º pared, el Nu- Cabaret suma elementos como la integración de nuevas tecnologías, y propone cambios como el trabajo desde el no-personaje, la actualizando en el discurso crítico, la  ruptura de  roles sexuales/sociales para abordar el multi género o el no-género, o una estética contemporánea. Muchos de estos proyectos están abanderados por  profesionales  multidisciplinares, de amplia trayectoria y formación, valentía  y alta calidad artística, cualidades que considero es necesario poner en valor. Por eso se crea el Nu-Ca Festival, una casa, un traje a medida, un nuevo espacio de programación que rescata estas perlas, proyectos que hasta ahora no contaban con un marco ad hoc en el que poder brillar. Nu-Ca busca impulsar esta corriente artística, siendo éste un festival pionero y único en el mundo que deja constancia de la calidad, variedad y creatividad que posee. Nu-Ca es una plataforma para difundir, promover y fomentar la creación de Nu-Cabaret.”

Roma Calderón

                              Sala de Exposiciones                           

► MADRID DESIGN

Darro. Diseño y arte (1959)

Cuidado diseño Super-Packaging

Del 30 de enero al 28 de febrero Dirección Madrid Design: Álvaro Matías

Una producción de La Fábrica en colaboración con el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa

La Sala de Exposiciones del teatro se convierte en la sede expositiva principal con tres propuestas producidas por el festival.

Darro. Diseño y arte (1959- 1979), comisariada por Pedro  Feduchi, rendirá homenaje a uno de los sellos más destacados del diseño español. La marca, fundada por Paco Muñoz en 1959, supuso una revolución en el ámbito del diseño industrial en una época que buscaba un nuevo paradigma para la vivienda.

Cuidado Diseño. Artesanía  española  contemporánea  es una gran muestra colectiva comisariada  por Macarena  Navarro-Reverter que ofrecerá la oportunidad de conocer algunos de los mejores proyectos de artesanía que actualmente se pueden encontrar en todo el territorio español.

SuperPackaging. Diseño al servicio del diseño propone un viaje por el pasado, el presente y el futuro  del diseño de envases. Podremos contemplar los trabajos  en diversas  categorías  de SeriesNemo  y Patinuñez (Barcelona), Botánico Estudio (Salamanca), Sidecar (País Vasco), Lacia y Juan de la Mata (Madrid),  Lavernia&Cienfuegos (Valencia), Estudio Maba y Eduardo del Fraile (Murcia) o Cabello x Mure (Jaén).

          Sala de Guirau, Jardiel Poncela y Polivalente       

► PLAN EDUCATIVO y ACTIVIDADES DE PARTICIPACIÓN

El año comienza con la implantación del Plan Educativo que está compuesto de cuatro partes que se irán desarrollando a lo largo de los próximos meses en las distintas salas del teatro. Este programa se  enmarca dentro de la apuesta por las actividades educativas como parte  de los objetivos generales del Centro, actividades inspiradas por las orientaciones en buenas prácticas para la inclusión y  la  participación social en la cultura de la European Agenda for Culture de la Comisión Europea.

El Plan Educativo está compuesto de:

• Actividades Extraescolares para niños y adolescentes
• Plan de Innovación
• Programas dirigidos a colectivos sociales
• Jornadas Pedagógicas

1.- Plan de Innovación:

Un programa dirigido a estudiantes de la Academia Española de las Artes Escénicas y profesionales que quieran completar su formación, ofrecerles las herramientas para que optimicen la gestión de sus proyectos,  compañías, salas, teatros, festivales y cualquier entidad vinculada a este ámbito. En el plan  se tratarán  puntos  como:  la financiación,  la accesibilidad en las artes escénicas, la comunicación y marketing digital, las nuevas tecnologías aplicadas a la producción y las artes escénicas como herramienta pedagógica. Un total de 170 horas que forman el proyecto del Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa y Factoría Cultural en colaboración con la colaboración de la Academia Española  de  las  Artes Escénicas

2.- Programas dirigidos a colectivos sociales:

Los primeros talleres que se impartirán  en el  centro en  colaboración con la Asociación MOVE son: El taller de Memoria Conectiva Artes Escénicas para la Tercera Edad y  el Programa de Inclusión para Mujeres Víctimas  de Violencia de Género.

2.1.- Memoria Conectiva Artes Escénicas para la Tercera Edad:

Es un laboratorio de creación colectiva dirigido a personas mayores de 65 años, donde se investigará a través del lenguaje del teatro, la danza y la música. Se trata de un espacio de encuentro para hablar de inquietudes y experiencias de los participantes y crear una obra escénica  que  trate sobre su visión del mundo y su recorrido vital. El objetivo es dar voz a los que más experiencia tienen, saber sus motivaciones,  sensaciones…  y esto se conseguirá con un proceso creativo que se  prolongará  hasta  junio. El lenguaje artístico de cada sesión incluirá la danza, el teatro y la música como forma expresiva. Como punto final el taller presentará una pequeña acción final llevada a cabo por las personas que han vivido el proceso (PEDIDO A RAFA)

2.2.- Programa de Inclusión para Mujeres Víctimas de Violencia de Género:

Dirigido a mujeres psicológicamente afectadas que viven situaciones de inestabilidad psicológica y emocional, situaciones de exclusión social, cargas familiares y que viven situaciones de vulnerabilidad añadidas a las anteriores. Con este programa se pretende favorecer su inclusión a través del proceso de creación grupal de una obra escénica. El teatro y la danza nos sirven de herramientas para conocernos, conectarnos para crecer. La metodología de trabajo de este taller se basa en el juego, el movimiento libre y la creación colectiva. El espacio de trabajo es un lugar sin juicio, donde todas pueden aportar desde donde tienen y desde su propio “ser”. Crear un entorno seguro de comunicación y cuidado para liberarnos de cargas sociales y emocionales que tenemos impuestas.

3.- Jornadas Pedagógicas:

Estas jornadas, dirigidas a docentes de enseñanza media, tienen como objetivo que se apliquen las técnicas de las artes escénicas  en  su práctica docente, a la vez que potenciar la creatividad individual entre los adolescentes y jóvenes.

4.- Actividades extraescolares para niños y adolescentes

Actividades que entran dentro del proyecto que presentó la dirección artística y que se presentará en breve.

Las actividades paralelas también aumentan en número durante este primer cuatrimestre, con más encuentros con el público,  talleres, masterclass e incluso presentaciones de los textos de las obras que estarán programadas en las salas del teatro.

Las      actividades       previstas       son      (la      información       puede      sufrir modificaciones):

Mestiza y Todas hieren y una mata

• • Encuentros con el público:

Mestiza: 17 enero y 31 enero

Todas hieren y una mata: 14 de febrero y 21 de febrero

• • Taller de Yayo Cáceres: Duración 6 semanas. Los días 15,  22, 29  de enero y 5, 12 y 19 de febrero.
  • Encuentro con los dramaturgos, antes de cada representación:

Mestiza, Julieta Soria, 1 de febrero - 18:30h

Todas hieren y una mata, Álvaro Tato, 8 de febrero - 18:30h. incluye la presentación del libro Todas hieren y una mata de Álvaro Tato.

Un cuerpo en algún lugar

• • Encuentro con el público: jueves 31 de enero.

  • Taller Rostro y precisión. Impartido por Gon Ramos. 30 y 31  de enero - 16.30h.

Gilgamesh

• • Taller: El teatro antropológico: Impartido por Alex Rojo. 27 y 28 de febrero (Fechas aprox.)

  • Encuentro con el público - 28 de febrero

Bailando en la oscuridad

• • Encuentros con el público - 7 y 21 de marzo

Lacura

• • Encuentro con el público - 14 de marzo (Incluye presentación del texto de la obra)

  • Mesa de debate y reflexión: Igualdad den las artes escénicas (Con ponentes del instituto de la Mujer y de Territorio Violeta)

  • Taller de artes escénicas impartido por Bibiana Monje.